Le Galeriste, un nouveau film de Cathy Yan dont la sortie est prévue en décembre, se déroule presque entièrement dans une galerie d'art contemporain. Ce n’est pas un film dans lequel le marché de l’art persiste comme une intrigue B – l’histoire entière flotte dans l’univers du cube blanc, avec des références à Matthew Marks, Larry Gagosian, David Zwirner, le Perez Art Museum Miami et Maurizio Cattelan. Même la vanité scandaleuse du film – volontairement exagérée, car il s'agit d'une satire très campagnarde – est enracinée dans la vérité. Dans Le Galeriste, un influenceur glisse et s'empale sur une sculpture. Le marchand incorpore le cadavre dans l'œuvre, et tout le monde suppose qu'il s'agit d'art.
Cela s'est produit, en quelque sorte, dans la vraie vie. Dans les couloirs d'Art Basel Miami Beach en 2015, une femme a plongé un couteau X-Acto dans le cou d'un spectateur en criant : « Je devais la tuer et deux autres » et « Je devais la regarder saigner ! »
Mais les gens passaient par là, pensant que les coups de couteau faisaient partie du spectacle.
« Un gars s'est approché de moi et m'a dit : 'Je pensais avoir vu un spectacle, et je pensais que c'était du faux sang, mais c'était du vrai sang' », a déclaré un artiste présent sur les lieux. Héraut de Miami. Les blessures du visiteur ne mettraient pas sa vie en danger.
Il y a eu une surabondance inhabituelle de films sur le monde de l’art qui ont été largement diffusés ces dernières années. En plus de Le Galeriste, 2026 a vu les débuts de Je veux ton sexe, La farce de Gregg Araki sur le monde de l'art de Los Angeles, et Les Christopher, dans lequel Ian McKellen incarne un artiste vieillissant qui se lie d'amitié avec le jeune peintre engagé pour forger ses propres œuvres. Le drameLes quelques scènes autour du travail de Robert Pattinson en tant que conservateur au fictif Cambridge Art Museum semblent parfaites, mais le réalisateur Kristoffer Borgli va encore plus loin en remplissant son appartement de toiles de Lucy Bull, Tristan Unrau et Sara Cwynar. L'année prochaine, nous aurons Michael B. Jordan's L'affaire Thomas Crown, dans lequel le maître voleur orchestre une fois de plus un vol de tableau, mais cette fois avec un chef-d'œuvre de Kerry James Marshall parmi les toiles volées.
La plupart de ces films sont de vastes satires, des histoires qui semblent supposer que ce que le public veut réellement, c'est une embrouille à la fois des artistes d'avant-garde et de leurs méprisables collectionneurs. Mais certains de ces films sont-ils vraiment de bons films, ou à tout le moins fidèles au monde qu’ils représentent ?
Historiquement, l'art contemporain a été un matériau chargé, même pour les cinéastes les plus talentueux, explique AS Hamrah, critique de cinéma dont les livres récents incluent Algorithme de la nuit et La Terre meurt Streaming. Souvent, il n’y a tout simplement pas assez de lumière du jour entre le cinéaste et l’artiste, ce qui rend difficile la réalisation d’une véritable entente ou d’un véritable retrait.
« Le fait qu'ils s'y mêlent leur fait vraiment peur de s'en moquer sérieusement », me dit Hamrah. « C'est pour cela que ces choses sont souvent qualifiées de satires édentées. Parce que les films ont une certaine amertume, mais en même temps, ils veulent sympathiser avec les artistes. »
D’autres cinéastes ne considèrent la scène artistique qu’en surface, et leur manque d’expérience vécue réduit un monde complexe à des clichés.
« Ils ne prennent pas assez au sérieux le monde de l'art contemporain parce qu'ils ne le comprennent pas », dit Hamrah. « Et bien sûr, il y a beaucoup de choses à se moquer du monde de l'art contemporain. Mais si vous abordez cela sans comprendre qu'une œuvre d'une grande originalité, d'une grande beauté et d'une grande nouveauté peut s'y produire, vous n'allez pas faire un bon film. »
Y a-t-il eu des films sur le monde de l’art contemporain qui fonctionnent ? Je peux vous indiquer un de mes favoris personnels : Leçons de vie, le court métrage de Martin Scorsese de 1989 mettant en vedette Nick Nolte dans le rôle d'un peintre d'action rapide travaillant sur des toiles dans son loft de SoHo. Richard Price l'a écrit et, à l'époque, il était profondément ancré dans la scène artistique new-yorkaise : il était ami avec des artistes et sa femme d'alors, Judith Hudson, était une peintre abstraite exposant dans les galeries de SoHo. Bien que Scorsese ne soit pas vraiment un habitué du circuit artistique, il considérait SoHo comme une extension du centre-ville où il a grandi – et essentiellement comme une partie de la Petite Italie, avec Prince Street bordée par deux églises italiennes.
La personne qui m'a mis en contact pour la première fois Leçons de vie, il y a quelques années, l'artiste Walton Ford a présenté une exposition de nouvelles peintures chez Max Hetzler à Londres plus tard ce mois-ci. Comme la plupart des gens du monde de l’art avec qui j’ai parlé, il n’a pas une très haute estime pour la nouvelle classe de films du monde de l’art.
« Je déteste presque tous les films sur les artistes et le monde de l'art, même si, comme vous l'avez mentionné, une grande partie d'entre eux Leçons de vie tient le coup », me dit-il. « Je ne supporte particulièrement pas la plupart des tentatives clichées de parodier les artistes et les marchands prétentieux. Je n'ai même pas trouvé l'artiste vaginale Julianne Moore dans Le Grand Lebowski amusant. »
Lorsqu'on lui a demandé de bons exemples, Ford a mentionné celui de Wim Wenders L'ami américain, celui de Jean Renoir La Chienne, et le film sur lequel il est basé, celui de Fritz Lang Rue Scarlett. Hamrah a également mentionné trois classiques, plutôt que des tentatives récentes : Un Américain à Paris par Vincente Minnelli, Un seau de sang par Roger Corman, et La Belle Noiseuse de Jacques Rivette. Il a également évoqué le jeune cinéaste new-yorkais Michael Bilandic, dont le film de 2021 Espace Projet 13 se déroule dans le domaine de l’espace de la performance.
Matthew Higgs, le réalisateur de White Columns, a recommandé le film britannique de 1961 Le rebelle.
« C'est un premier témoignage des tensions entre les cultures hétérosexuelles et bohèmes. Tout artiste britannique, d'un certain âge, connaîtrait le film ! » Higgs me le dit.
En 2019, l’écrivain Randy Kennedy interviewait le critique Todd McCarthy sur ce même sujet. McCarthy a admis qu'il a longtemps été tentant pour les réalisateurs de concentrer leur récit sur le tempérament artistique d'un peintre, mais que cette dynamique est difficile à mettre en place. Il a suggéré que seul un artiste visuel réellement actif pourrait capturer la réalité quotidienne de cet univers – quelqu'un comme Julian Schnabel, un artiste qui a plus de succès que la plupart des autres à créer alternativement des œuvres pour un cube blanc et à réaliser des films.
« J'imagine que seul un vrai peintre, comme Schnabel, se laisserait aller à ces moments parce que rien ne se passe vraiment alors qu'en fait, c'est ici que tout se passe », a déclaré McCarthy. « Il est très difficile, et le plus souvent faux, pour les films de prétendre montrer d'où vient l'inspiration, mais Schnabel est capable de l'indiquer. »
J'ai demandé à Kennedy, qui édite le magazine Ursule, pour ses réflexions sur le phénomène des films du monde de l'art. Il a déclaré que « ceux que je n'aime pas et qui se trompent vraiment sont trop nombreux pour être énumérés » – bien que Kennedy ait fait l'éloge du pseudo-doc de Jack Hazan sur David Hockney et sa coterie londonienne swinging, Une plus grande éclaboussure, qui est en effet un film fantastique. (Même si je l'avais pré-disqualifié pour cet exercice en raison de ses éléments documentaires.) Idem Splendeur américaine, qui mélange animation, séquences documentaires et action réelle pour raconter l'histoire du dessinateur Harvey Pekar. Kennedy a également rendu hommage à la scène absolument incroyable des galeries d'art de Le flic de Beverly Hills, dans lequel Bronson Pinchot incarne une vendeuse avec un accent ridicule – peut-être le ne plus ultra de parodies idiotes du monde de l'art.
Et Kennedy adore le premier chapitre de La Dépêche Française, C'est à ce jour la seule fois où Wes Anderson, marié à un artiste visuel, conçu le restaurant de la Fondazione Prada et récemment collaboré avec Gagosian sur une exposition de Joseph Cornell à Paris, se tourne vers le monde de l'art.
« Alors qu'ils contemplent une toile abstraite, apparemment pour la première fois, Adrien Brody, incarnant un personnage basé sur Joseph Duveen, s'exclame : 'Nous en avons fini avec les fleurs et les coupes de fruits !' », dit Kennedy.
Cela m'a rappelé la fois où j'ai rencontré Owen Wilson, qui vient d'une lignée d'amateurs d'art du Texas et qui a lui-même constitué une petite collection, ainsi qu'une pratique en studio en plein essor. Quand je lui ai demandé quels films du monde de l'art il aimait, Wilson a mentionné le film de Schnabel. Basquiat, Celui d'Ed Harris Goberge, Le portrait voilé de Gerhard Richter par Florian Henckel von Donnersmarck, Ne détournez jamais le regard-et la première partie de La Dépêche Française, dans lequel il tient un petit rôle, réalisé par son ami de toujours Anderson.
Plus récemment, il y a eu des films criards se déroulant dans le monde de l'art, comme Scie circulaire en velours et Animaux nocturnes, qui ont tous deux été largement critiqués et, d’après des preuves anecdotiques, pas du tout pris au sérieux par le monde de l’art actuel. La PlaceLa vision de Ruben Östlund sur l'art de la performance, basée sur une œuvre qu'il a réalisée et installée dans un musée suédois, est polarisante, mais a des fans, dont Hamrah, qui pensaient que cela faisait tout ce qu'un film du monde de l'art pouvait espérer faire.
« Le truc chez lui, c'est qu'il s'en fiche », dit Hamrah à propos d'Östlund avec admiration. « Je veux dire, il est tellement immergé dans la culture suédoise et dans la culture internationale de la classe créative que cela l'amuse tout simplement. Et en même temps, il croit que les choses doivent être belles, originales et menaçantes. »
Le film d'art récent le plus apprécié est peut-être le moins voyant de la liste : celui de Kelly Reichardt. Se présenter, dans lequel Michelle Williams incarne une artiste avec un travail quotidien qui lutte pour être fidèle à son métier sur la scène artistique de Portland. C'est un film que j'adore. (J'ai contacté Reichardt pour cette histoire, mais malheureusement, elle n'a pas pu en parler.)
L'artiste Marilyn Minter m'a dit : « Je suis généralement très déçue par la façon dont les artistes sont représentés dans les films. Je pense qu'il est difficile de défendre le processus créatif dans un film sans recourir aux stéréotypes et aux reconstitutions glamour/tortues. »
Mais elle aime Se présenter.
«Le processus créatif est décrit comme quelque chose de presque obstinément peu glamour, plus proche d'un travail quotidien que d'un acte d'inspiration», me dit Minter. « Je pense que c'est la représentation la plus précise de ce que signifie faire de l'art. Le film ne résout pas cette tension de manière dramatique – il s'associe simplement à l'inconfort de la vie créative de quelqu'un d'autre qui semble plus facile. Tous les artistes connaissent ce sentiment. Le film suggère que l'art se produit autour et malgré les frictions quotidiennes. C'était très réel. «
Il est difficile d'évaluer l'intérêt du monde de l'art pour Le Galeriste. Il est projeté dans quelques festivals, dont Sundance, mais il n'entrera pas vraiment dans le sang culturel avant sa sortie en salles plus tard cette année. Je pense qu’une grande partie de cela est juste, mais il existe encore des divergences qui rendront fous les initiés du monde de l’art. Je me demande également si les initiés ont vraiment un appétit pour un film comme celui-ci : un galeriste a-t-il vraiment envie de passer sa journée à regarder une vente d'art extrêmement stressante ?
Ils pourraient éventuellement le voir, mais peut-être pas le week-end d'ouverture. Le galeriste sort le 4 décembre, ce qui se trouve en plein milieu de la folle frénésie de travail d'Art Basel Miami Beach.
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