C'était le samedi précédant le Met Gala 2026 et Amy Sherald se précipitait entre deux rendez-vous, se dirigeant vers un essayage pour une robe Thom Browne qu'elle porterait lundi soir. Cela semble assez approprié : Sherald fait partie du comité organisateur du gala et Browne est un partisan des nouvelles galeries Condé M. Nast, qui ont fait leurs débuts sous presse lundi matin. Ils sont amis depuis des années. Mais ce n'était pas un look ordinaire de Thom Browne : il s'agit d'une collaboration entre l'artiste et la créatrice, basée sur sa peinture. Miss Everything (Délivrance non supprimée).
« Nous allons essayer la robe, puis nous avons également fait fabriquer trois fascinateurs différents pour essayer de déterminer lequel je vais porter avec la robe. Elle porte donc un fascinateur rouge comme le tableau », a déclaré Sherald. Salon de la vanité. « Et puis quoi d'autre, Thom? »
Browne était également à l'appel, parlant depuis ce qui était peut-être le milieu Zoom le plus grandiose de tous les temps : des peintures de l'expressionniste français Georges Rouault sur le mur, son très célèbre teckel Hector sur ses genoux.
« Ensuite, nous retiendrons notre souffle jusqu'à lundi », a déclaré Browne.
C'est la deuxième année que Sherald participe à la plus grande soirée de mode, mais sa première au sein du comité, aux côtés d'artistes tels que Tschabalala Self et Anna Weyant. Cette année est grande. Les galeries Condé M. Nast occupent désormais un emplacement conçu par Peterson Rich Office, à côté du Grand Hall qui abritait autrefois la boutique de cadeaux du Met. Il s'inscrit parfaitement dans la chronologie du musée encyclopédique, en dialogue direct avec les armures et les armements, les bustes anciens, les vases Ming, les sarcophages égyptiens et la collection de peintures à l'étage. Mode, vêtements, costumes, robes : tout cela est désormais en permanence sur les marches du Met.
L'exposition, conçue par le conservateur en chef du Costume Institute, Andrew Bolton (le mari de Browne, soit dit en passant), annonce ce nouveau domaine immobilier d'une manière passionnante et méta, abordant l'énigme de front : l'exposition s'appelle « Costume Art », et les vêtements sont installés à la manière d'outils sculpturaux, défiant quiconque de mettre en doute leur statut dans le plus grand temple culturel d'Amérique.
Max Hollein, le directeur du musée, n'a pas laissé grand-chose à redire lorsqu'il a déclaré que les nouvelles galeries étaient « un puissant témoignage de la mode en tant que moyen d'expression artistique omniprésent, situé dans le contexte de cinq mille ans d'histoire de l'art au Met ».
Le code vestimentaire de la soirée est lié à l'exposition : Fashion Is Art. Ce qui nous mène dans un terrier de lapin… La mode est-elle de l'art ? L’art est-il une mode ? Lorsque Picasso confectionnait des costumes pour l’imprésario des Ballets russes Sergueï Diaghilev, c’était sûrement de l’art. Jasper Johns confectionnant des costumes pour le danseur et chorégraphe Merce Cunningham, ainsi que pour Rauschenberg, me semble légitime. Ingrid Sischy a mis Issey Miyake en couverture de Forum d'art en 1982, les vieux étaient indignés, mais peu importe, elle avait raison. Je suis allé à l'atelier de Sterling Ruby ; c'est dans son atelier, c'est de l'art, point final. La robe homard Schiaparelli de Salvador Dali : qui, sensé, pourrait dire que ce n'est pas de l'art ?
Et de même, peut-il même y avoir des peintures de la vie moderne sans mode ? Manet peignait à Paris lors de la naissance de la haute couture, avec les grands magasins et les magazines et ses modèles bourgeois préférés dans les derniers atours. Pour Édouard : « La dernière mode… est absolument nécessaire pour un tableau. C'est ce qui compte le plus. » Parlons d'Otto Dix – les coupes de cheveux au carré, le tabagisme, la consommation d'absinthe – c'est juste de la peinture de mode. Toulouse-Lautrec – même deal, juste au Moulin Rouge.
John Singer Sargent, Egon Schiele, Alex Katz, Elizabeth Peyton — je pourrais continuer, mais c'est un peu idiot. La mode est omniprésente dans l’art, et la mode elle-même est un artisanat portable élevé au sublime.
Et Sherald, qui possède des œuvres dans la collection permanente du Met, a eu une idée. Que diriez-vous d'une collaboration avec une créatrice pour transformer un vêtement présenté dans l'une de ses œuvres d'art – qui présente souvent des tenues de soirée au courant, un peu comme les post-impressionnistes qui ont choqué Paris – en son look de soirée ?
« J'ai l'impression d'avoir toujours résisté à une hiérarchie entre les deux : je pense que la mode est déjà un art et je pense que l'art opère sur le corps », a-t-elle déclaré. « Je pense que c'est la rencontre de deux temporalités. Et l'idée que la mode est un art, ce n'est pas nouveau. Je pense qu'elle est souvent niée. Mais je pense que ce qui se passe, c'est comme une correction et le musée reconnaît ce que les designers et les artistes ont toujours compris : que le corps est un lieu de composition au même titre que la toile ou la sculpture. »
Ainsi, lorsqu'elle a été sélectionnée pour le comité, elle savait qu'elle voulait demander à Thom Browne de donner vie à l'une des robes qu'elle avait peintes. Il est l'un des designers américains les plus célèbres de sa génération, ou de n'importe quelle autre. Et il est particulièrement bien adapté à ce code vestimentaire au Costume Institute Benefit, car ses vêtements s'inscrivent dans le domaine de l'installation et de l'art de la performance. Browne fait également partie de la collection permanente du Met.
« J'ai envoyé un texto à Thom du genre : 'Oh mon Dieu, il ne va probablement même pas répondre', m'a dit Sherald. « Dans mon esprit, c'était comme : 'Amy, qui sont toi?' Pensez-vous que vous pouvez envoyer un SMS à Thom et lui envoyer ceci et lui dire : « Qu'en pensez-vous ? Pouvons-nous faire ça ?'
Browne, cependant, a dit oui, quel que soit le sprint pour faire de l'idée de Sherald une réalité.
« C'était un peu plus tard que je pense que nous l'aurions tous les deux voulu, mais je franchirais des obstacles pour le faire pour Amy, parce que j'aime ce qu'elle fait et j'aime tout ce qu'elle représente », a-t-il déclaré. « Et c'est tellement humiliant que lorsqu'elle dit, si j'étais peintre, je peindrais comme elle. Il y a très, très, très peu de gens qui pourraient peindre comme Amy Sherald. »
Elle a commencé le croquis à partir de sa peinture, en gardant la robe fidèle à celle représentée sur la toile. Et puis Browne lui a donné vie, le fabriquant à partir du fil d’un rêve dans l’atelier.
« Je pense que Thom est l'une des seules personnes que je connais qui peuvent traduire mon travail : il le prolonge et lui donne une autre vie », a déclaré Sherald. « Ainsi, le vêtement devient simplement un autre site où l’œuvre peut exister. »
« Eh bien, je dois dire que je vais vraiment donner tout le mérite à Amy, parce que c'est sa vision », a déclaré Browne. « Cela fait référence, je pense, à l'une de ses peintures les meilleures et les plus importantes pour elle-même. Et qui incarne ce thème plus qu'Amy Sherald ? »
Lorsque Sherald a foulé le tapis rouge lundi soir, elle a posé sur les marches du gala, posant une main insouciante sur sa hanche.
Ce n'est que le début d'une nouvelle branche de la pratique de Sherald : en juin prochain, le Public Theatre de New York fera ses débuts Sublime américaine, une exploration théâtrale de sa pratique qui traduit la toile sur scène. Et l'un des personnages sera Miss Everything, portant la robe qui a inspiré le look Met Gala de Sherald.
« Nous créons des costumes pour les personnages qui sont mes peintures », a-t-elle déclaré. « Ils n'ont pas encore été créés, mais c'est presque comme si je vivais ce moment-là, car ce tableau prend vie de manière à ce que je devienne le personnage. »
Pour en savoir plus sur le Met Gala 2026, revivez la soirée avec Salon de la vanitéLe blog en direct de pour tous les détails du concepteur. Revisitez tous les looks, révisez ce que signifiait réellement le code vestimentaire et voyez qui a fait VFla liste des mieux habillés.
