Au milieu d'un marché de l'art en ralentissement, d'une vague de fermetures de galeries et de licenciements, Atlanta se proclame une autre destination sur la carte de l'art contemporain avec la première Atlanta Art Fair. Se déroulant jusqu'au 6 octobre à Pullman Yards, la foire rassemble 63 exposants : galeries, partenaires culturels, organisations à but non lucratif et institutions du Sud (25 % des galeries présentées sont locales), des États-Unis et de l'étranger. La programmation du week-end sera centrée sur son théâtre, où l'art sudiste américain en matière de collection, de culture, d'héritage des artistes, de crises environnementales et de « renaissance » de la ville sera le thème d'une série de conférences.
Directeur des Productions du Marché de l'Art Kelly Freeman planter le décor lors d'un appel récent avec Salon de la vanité : « Il y a quelque chose dans la création de cette toile vierge que nos galeries partenaires, nos partenaires culturels et nos artistes peuvent ensuite venir programmer », dit-elle. « Il y a tellement d'énergie dans l'air, et bien sûr, c'est Atlanta pour vous. »
L'Atlanta Art Fair se déroule parallèlement à l'Atlanta Art Week (qui s'est tenue du 30 septembre au 6 octobre), fondée par le conseiller artistique Kendra Walker. Maintenant dans sa troisième année, le projet de Walker lui a non seulement valu une place sur la liste Forbes 30 Under 30, mais a également marqué l'ascension d'Atlanta au sein de la communauté artistique plus large. Même s'il n'y a pas de collaboration ouverte entre les deux événements, il n'y a pas non plus de compétition ; au contraire, un désir primordial de cultiver la longévité prévaut. L'Atlanta Art Fair est donc à la fois une réponse à l'attention massive de la ville et un appel à davantage de parties intéressées à rester dans les parages.
« Une fois que les gens seront engagés, j'espère qu'ils resteront engagés dans les offres proposées à Atlanta en dehors du mois d'octobre, en dehors de cette semaine-là », Lauren Jackson Harris, commissaire invitée et cofondatrice de Black Women in Visual Art, a déclaré. « C'est juste une visibilité et une cohérence que j'espère voir, car nous ne sommes pas à New York ou à Los Angeles, mais nous pouvons créer notre marque grâce à des personnes simplement cohérentes et intentionnelles dans leur volonté de nourrir les arts. »
C’est le refrain de ceux qui ont une vision plus optimiste du marché actuel. À mesure que se déroule la course au réajustement, ceux qui sont fermement engagés envers la communauté, l’art et les artistes eux-mêmes, plutôt que envers un jeu d’actifs et de chiffres, résisteront à l’épreuve.
« Laisser Atlanta être Atlanta, c'est ce que je pense que nous faisons de mieux en tant qu'organisation », a déclaré Freeman. « Nous n’avons aucun ego dans le projet. Je sais que j'aurai fait mon travail correctement si un participant apprend qu'une exposition se déroulera au Spelman College en janvier et décide d'y aller en raison d'une interaction qu'il a eue à la foire.
Ici, une conversation avec les commissaires de l'Art Fair sur l'état de l'art du Sud et la part croissante d'Atlanta dans sa présence continue.
Salon de la vanité : Chacun d’entre vous peut-il parler de la dynamique du Sud américain dans le monde de l’art contemporain ?
Lauren Jackson Harris : C'était un commentaire amusant d'une de nos amies, elle a mentionné que les gens vénéraient parfois la scène artistique d'Atlanta comme le montagnard du Sud. Je pense qu'une fois que les gens viennent en ville et découvrent l'immensité du talent qui s'y trouve, même s'il faut creuser un peu plus (ce n'est pas aussi concentré dans des poches que New York ou Los Angeles), une fois qu'on découvre la richesse qu'il y a, à Atlanta, vous voyez vraiment la valeur que nous offrons à la plateforme dans son ensemble.
Les gens parlent toujours de cette « Renaissance d'Atlanta », mais je me dis qu'Atlanta est la Renaissance depuis de nombreuses années. Qu'il s'agisse de musique, de théâtre, de danse, d'arts visuels, d'industries créatives. Nous avons toujours créé cette énergie et ce feu, et les gens en ont profité.
Je ne veux pas être comparé à New York ou à Los Angeles. Parce qu'Atlanta, nous sommes notre propre enfant, nous sommes notre propre entité et nous avons notre propre marque de ce que nous proposons. Et de nous comparer à de grandes villes comme New York et Los Angeles. ne nous rend pas service.
Karen Comer Lowe : Nous sommes traités comme ces beaux-enfants, comme s'il n'y avait pas eu de scène artistique active à Atlanta depuis des décennies. Quand je suis entré, je suis venu pendant le National Black Arts Festival, qui était à l'époque un festival semestriel qui attirait des gens à Atlanta tous les deux ans pour les arts visuels, la danse et le cinéma. Tout ce qui est noir et culturel. J'ai vu cette communauté artistique prospérer.
Si c'est nouveau pour vous, c'est super. Mais ce que j'aimerais, c'est que les gens viennent ici et, comme Lauren l'a dit, fassent l'expérience par vous-même afin que vous puissiez voir ce que nous avons ici, car il y a tellement d'artistes qui vivent ici et exposent en dehors d'Atlanta. Ce dont nous avons besoin à Atlanta, ce sont des ressources investies dans ces espaces dont nous disposons afin de pouvoir développer de nouveaux espaces.
Quelles ont été les premières conversations sur la curation, les récits que vous vouliez présenter et le choix des artistes à présenter ?
Harris : Je travaille parfois à rebours, mais mon titre n'est venu qu'après avoir commencé à vraiment travailler, à avoir des conversations avec les artistes et à voir ce que leur travail me faisait ressentir. Le travail de distingué/doux me hante à cause d'une autre exposition que je voulais faire.
J'ai cinq artistes, et ils vont d'artistes à peine montrés à des artistes professionnels internationaux. distingué/doux C'est une façon, une : introduire un récit du Sud – je viens d'Atlanta, donc pour incorporer cela, étant donné qu'il s'agit de la première foire d'art, je me dis : « Je veux que les gens reconnaissent les artistes d'Atlanta ». Je veux ainsi amener Atlanta au premier plan. Je voulais résumer cette idée de genteelisme, qui est un terme très désuet, et c'est un terme du Sud qui pourrait être considéré comme négatif, mais pour moi, il évoque le raffinement. Auparavant, on l'utilisait pour séparer les classes, mais maintenant je le vois comme un moyen de vraiment l'affiner. Le Sud a un sens raffiné de la respectabilité politique. Indépendamment de tous les récits sombres que nous avons, il y a toujours un « Hé, comment ça va aujourd'hui? » Vous allez agiter la main quand je passerai devant vous dans mon quartier. Il existe toujours cette véritable base de respectabilité, la respectabilité du Sud, alors j'en parle.
Mais la douceur est en quelque sorte un nouveau récit pour la pensée contemporaine, car de nos jours, nous devons être doux avec la façon dont les gens s'identifient et quelles sont leurs histoires. Quelles que soient les sensibilités, nous devons aussi respecter l’humanité. C'est donc un mélange de respectabilité et d'humanité.
Lowe : Ce que je fais est un peu différent. Je ne suis pas commissaire d'une exposition, je présente deux artistes dans deux espaces distincts. J'ai commencé avec Navin Norling, qui est basé à Atlanta. Lorsqu’on m’a demandé de réfléchir à un projet, il m’est immédiatement venu à l’esprit. Navin utilise des objets négligés comme des fenêtres, des portes et des fauteuils roulants pour créer des œuvres qui parlent de certaines inégalités et perceptions de la race et de l'identité. Je suis vraiment ravi de présenter son travail comme une présentation distincte de vitrines qui intègre une partie de l'iconographie pop et certains signifiants de race et de classe.
Ensuite, je présente Pam Longobardi. J'ai travaillé avec elle en 2020 et j'ai présenté son travail dans une exposition que j'avais l'impression que personne n'avait jamais vue parce que le monde s'était arrêté au milieu d'elle. C'est une militante sociale et son travail est profondément enraciné dans l'activisme environnemental. Elle a lancé ce projet appelé The Drifter's Project, une initiative internationale dans laquelle elle collabore avec d'autres pour extraire les plastiques des océans du monde entier. Il s'agira d'une sculpture dynamique créée à partir de ces objets prélevés au fond des océans pour exprimer une déclaration sur ce que nous faisons à l'environnement.
Ce thème récurrent d'Atlanta étant pris pour ce qu'il est, pour qui il est, séparé ou non comparé à New York ou à Los Angeles – qu'est-ce alors que l'art du Sud à travers cette perspective d'Atlanta ?
Harris : Je pense qu'un de mes artistes, Shanequa Gay, est Atlanta de bout en bout.
Lowe : Pas à Atlanta, Atlanta.
Harris : Atlanta de la vieille école. Je pense que nous avons été élevés dans des camps différents et les gens parlent des différentes facettes d’Atlanta. Ce sont toutes des éducations différentes, des dialectes différents, des expériences de vie différentes.
Donc la façon dont vous avez été élevé à Atlanta est aussi la façon dont vous y avez été cultivé. J'ai grandi dans une famille de classe moyenne du côté est et dans une grande maison à côté de Panola Road. Et mes parents étaient impliqués dans le Festival National des Arts Noirs. Nous sommes allés au gala du maire masqué quand j'étais jeune.
Quand vous parlez du travail de Shanequa Gay et quand elle en parle, c'est très ancré dans son histoire, dans elle-même et dans sa famille. Lors de l'une de ses expositions les plus récentes, elle a reçu d'une de ses tantes, une des aînées de sa famille, des négatifs de la maison de son arrière-arrière-grand-père. Et elle a créé ces ferrotypes sépia pour honorer la noblesse qu'ils avaient à cette époque où les gens étaient encore considérés comme des métayers. Vous voyez ses racines du Sud briller vraiment dans son travail, et elle les intègre naturellement dans toute sa pratique visuelle.
Lowe : Je pensais à Radcliffe Bailey. Quand vous parlez de l'art du Sud, parce que c'est différent pour chacun des artistes et ce qu'est la méridionalité. Mais je pense que pour tout artiste qui choisit de rester ici et de travailler ici, l’esprit du Sud est incorporé dans son œuvre. Et donc, quand je pense à un Radcliffe Bailey qui aurait pu vivre n'importe où dans le monde à un certain moment de sa carrière, il a choisi de rester ici à Atlanta, il a été enraciné ici, a construit une maison et un studio extraordinaires et magnifiques ici, et a amené des gens à Atlanta. Des gens du monde entier venaient chez lui pour diverses raisons, ce qui attirait davantage de gens à Atlanta pour observer ce qui se passait ici du point de vue artistique. C'est là le lien avec le sud : c'est lorsqu'un artiste choisit de rester ici et de travailler ici.
Harris : Mais je pense que même avec la façon dont Radcliffe a accueilli les gens chez lui, c'est une chose du Sud. Ce bras ouvert. C'est « Eh bien, entrez. » C'est une affaire du Sud. Je pense que les artistes ici font ça souvent. « Viens dans mon studio, viens voir sur quoi je travaille. »
Radcliffe, son travail s'étend dans tout le pays, à l'international, mais il est resté chez lui. Et il a amené des gens ici. Je pense que cela doit être une chose fréquente dans le monde de l'art, car comment pouvons-nous apprendre et incarner réellement ce que l'art signifie si nous ne partageons pas ?
Ce qui correspond à l’hospitalité du Sud.
Harris : Ouais, c'est l'hospitalité. C'est ça. « Viens ici, nous t'accueillerons. » Mais donnez-nous aussi un peu d'amour.
