Après des semaines de spéculations, Anthony Vaccarello a annoncé vendredi matin qu'il quitterait Saint Laurent après 10 ans en tant que directeur créatif. Cette annonce fait suite à un défilé à succès lors de la Fashion Week de Paris, au cours duquel Vaccarello réinterprète le travail d'Yves Saint Laurent avec son propre panache. En 1991, Saint Laurent clôture son défilé Rive Gauche automne-hiver 1991 avec un défilé final rendu presque entièrement en tissus dorés. Cette saison, Vaccarello a présenté une collection de prêt-à-porter doré qui s'est conclue par un cortège de tenues de soirée noircies. Cela ressemblait à la plus glamour des marches funéraires, une fin poignante à son mandat prolifique.
Son parcours chez Saint Laurent était inhabituel dans une période de bouleversements dans l'industrie. L'année dernière, les collections printemps-été 2026 de septembre et octobre ont vu un grand renouveau dans la mode : les créateurs de plus d'une douzaine de marques de luxe, dont Dior, Chanel, Gucci et Balenciaga, ont accueilli de nouveaux directeurs créatifs, les échangeant parfois de l'un à l'autre. Vaccarello franchissant la barre des dix ans faisait de lui une exception, et il s'était bien installé à Saint Laurent et avait trouvé son chemin en réinterprétant son héritage. Contrairement aux efforts hésitants de certains de ses collègues, il se tenait sur des bases solides après avoir eu le luxe de disposer du temps nécessaire pour se forger une vision.
Au cours de la décennie au cours de laquelle Vaccarello a conçu Saint Laurent, il est passé du statut d'outsider à celui d'alpha. Lorsqu'il a été embauché en 2016, Vaccarello était un créateur très apprécié d'une trentaine d'années, connu pour ses coupes soignées et ses productions très sexy chez Versus, la ligne de diffusion Versace, et dans sa marque éponyme, qu'il a fermée à son arrivée chez Saint Laurent. Au fil du temps, sa vision exigeante et sans compromis a fait de Vaccarello l'un des créateurs de mode les plus convaincants de cette époque : ses collections se sont concentrées singulièrement sur une silhouette et une idée saisonnières, et sa vision – sensuelle, raffinée et obstinément svelte – est passée de controversée à presque rafraîchissante, si elle n'avait pas été aussi restrictive. Alors qu'une grande partie du monde de la mode était obsédée par les tendances éphémères et la viralité, la discipline de Vaccarello restait incontestée. « Quand les gens disent : 'Oh, c'est répétitif', j'adore ça », a-t-il déclaré. Salon de la vanité plus tôt cette année, en riant. « J'aime que lorsque vous quittez la série, vous ayez en tête la silhouette de la saison », a-t-il déclaré. «J'aime aller à l'essentiel.»
Au cours des cinq dernières années de son mandat, les collections de Vaccarello étaient axées sur le travail de Saint Laurent lui-même, faisant parfois référence à ses plus grands succès (Le Smocking, ou le smoking pour femme ou la Saharienne, sa saharienne emblématique), à ses époques moins célèbres (comme les années 90, lorsque Vaccarello disait que Saint Laurent n'était « pas cool »), et même à son uniforme personnel. Ces collections mettent l'accent sur la manière dont un créateur peut célébrer l'héritage d'une maison en acceptant la tension entre le look d'une mode vieille de plusieurs décennies et le style contemporain plutôt que de le rejeter. Vaccarello n'a pas toujours fait mouche et l'étroitesse des collections fait que s'il mettait en avant l'héritage de Saint Laurent, il ne l'étendait pas toujours. Il a néanmoins trouvé le moyen de rendre l’histoire d’Yves Saint Laurent pertinente pour une génération qui s’en était détachée.
Il s’agit d’un équilibre que nombre de ses collègues gérant aujourd’hui des marques historiques n’ont pas encore réussi à trouver. Il a fallu environ cinq ans à Vaccarello pour faire ses marques à Saint Laurent. À en juger par la façon dont les choses se sont déroulées à la Fashion Week de Paris cette saison, seuls certains créateurs y arriveront dans les mêmes délais, voire pas du tout.
Miguel Castro Freitas, le nouveau créateur de Mugler, a présenté sa première collection il y a un an à Paris, un effort qui promettait un réalignement avec le point de vue de Manfred Thierry Mugler sur la couture et le prêt-à-porter. La collection de cette saison a exploité le côté naturaliste de l'imagination de Mugler : ses créations animalières et son défilé haute couture Les Insectes, qui a défini son époque, au printemps 1997. Le savoir-faire impliqué tout au long de la collection était impressionnant et évoquait certainement le monde de la couture, mais les mannequins semblaient avoir du mal à parcourir l'intégralité du podium, et les looks du défilé qui semblaient être faits pour le commerce de détail n'étaient pas particulièrement convaincants.
Castro Freitas pourrait trouver sa place, et le fait que Mugler puisse compter sur une solide activité de parfumerie lui fera probablement gagner du temps. Ce qu’il devrait cependant éviter, ce sont les gadgets qui détournent l’attention de cette entreprise.
Au premier rang de son défilé se trouvait Alexis Stone, l'artiste drag qui se trouve être l'un des invités les plus viraux de la mode, ayant assisté aux défilés de Demna chez Balenciaga et de Glenn Martens chez Diesel incarnant une variété de personnages réels et inventés, comme Mme Doubtfire et Jennifer Coolidge.
Stone s'est présenté au défilé Mugler le week-end dernier habillé comme le regretté Manfred Thierry Mugler, travaillant avec la maison sur la cascade et avec la bénédiction du partenaire de Mugler. Stone portait un look tiré de la garde-robe personnelle de Mugler, y compris l'une de ses broches. Comme d’habitude, cela a été impeccablement réalisé.
Et pourtant, l’apparence semble quelque peu erronée. Mugler est une maison construite en partie sur la provocation, mais Mugler, l'homme, est mort il y a seulement quelques années. Stone arrivant avec un voile noir drapé sur la tête pour exécuter une « révélation » devant un groupe de photographes a dévalorisé l'exploit et, bien que la performance soit présentée comme un hommage, cela ressemblait plutôt à une tentative de la marque de conserver l'héritage de Mugler en l'invitant physiquement dans l'espace et en faisant référence de trop près à certains de ses plus grands succès. Il doit y avoir une meilleure façon pour Mugler, la maison, de préserver ses liens avec Mugler, l'homme.
Chez Dior, Jonathan Anderson est en train de rénover ambitieusement l'un des noms les plus reconnaissables de la mode. Cette saison, il a rendu sa collection légère et fluide, mais il n'a pas supprimé l'excès qui a jusqu'à présent défini sa vision pour Dior : les superpositions, les bijoux, les chaussures et les sacs. Chaque look est fini avec un ou deux ou trois ou quatre éléments, ce qui donne une image riche et un régal visuel, mais cela peut être superflu. La collection était à son apogée lorsqu'Anderson a laissé parler une pièce ou deux : une belle robe corsetée qui semblait si légère qu'elle paraissait incroyablement confortable, une petite veste transparente avec une jupe courte, ou un jean brillant et un chemisier à volants. Il semble que là où Anderson s'appuie sur son instinct plutôt que sur le poids du langage Dior – avec ses volants féminins, ses tonnes de fleurs ou la silhouette de la veste Bar – il a une meilleure idée de ce que sa version de Dior pourrait et devrait être.
Antonin Tron et Drew Henry, respectivement les nouveaux créateurs de Balmain et Courrèges, ont le défi unique de revigorer deux marques dont les fondateurs ont joué un rôle déterminant dans la mode mais dont l'héritage est moins largement compris aujourd'hui. Tron a décidé, semble-t-il, d'épouser l'ostentation de Balmain, en l'alignant sur le bourgeois et en conservant la fantaisie dorée que son prédécesseur, Olivier Rousteing, avait mis au cœur de la marque. Même si dans sa collection de cette saison, rendue sexy et prête pour une soirée, il n'était pas tout à fait clair où Pierre Balmain lui-même intervenait. On se souvient d'André Courrèges dans le monde de la mode pour son modernisme des années 60 et son esthétique de l'ère spatiale, et Henry a étroitement fait référence à certaines de ses silhouettes, en particulier une mini-robe droite qu'il portait sur des modèles masculins, mais les a améliorées en termes de texture et de couleur.
Matthieu Blazy a fait dérouler ses collections chez Chanel comme une biographie de la fondatrice Gabrielle « Coco » Chanel. Il s'est éloigné du plus grand trope de sa vie, sa reconfiguration révolutionnaire de la garde-robe féminine dans les années 1920, qui a fait de Chanel un oracle vestimentaire, et a décidé de creuser plus profondément dans sa vie pour dénicher ce qui est devenu un cabinet de curiosités délicieuses.
Blazy a déclaré qu'il s'était tourné vers différentes parties de la vie de Chanel cette saison – sa jeunesse à l'époque édouardienne, sa fascination précoce pour les vêtements pour hommes, son admiration pour Edgar Degas – lorsqu'il a conçu cette collection. Ce spectacle stimulant a permis à Blazy de remettre en question la conception collective de ce qu'est Chanel en tant que marque – un tailleur-jupe en tweed – sans trop s'éloigner de ses principes fondamentaux. Le défilé s'est ouvert avec un mannequin dans un ensemble transparent avec des détails de lingerie, un look inapparemment sexy pour Chanel, portant le propre sac à rabat Chanel de Gabrielle, conservé au Chanel Patrimoine, le département archives et patrimoine de la maison. Le look final revenait à la même idée, mais cette fois, le même mannequin portait le sac avec un tailleur jupe noire, l'itération la plus pure de Chanel. C'était comme si Blazy nous disait qu'après toutes ses innovations audacieuses, tous les chemins mèneront toujours aux classiques.
« Je pense toujours qu'il est difficile de faire du bon travail à plusieurs reprises », a déclaré Vaccarello plus tôt cette année en évoquant le nombre de ses collègues qui avaient quitté leur poste dans des marques pour relever des défis plus importants. Il n'est pas surprenant que, lorsqu'on lui a demandé qui, selon lui, avait réussi la deuxième fois, il ait mentionné uniquement Blazy.
